Oil paintings

The Ecstasy of Saint Catherine or the theme of the holy man revisited... Catherine comes from catha, which means universal, and from ruina, ruin, as if one were saying universal ruin: in fact, in her, the devil's edifice was entirely ruined: namely, pride, through the humility that she owned; the lust of the flesh, through the virginity which it preserved; and worldly greed; by the contempt she had for all the vanities of the world. Or Catherine comes from chain (catena): because by her good works, she was made like a chain using which she ascended to heaven. This chain or ladder has four degrees: innocence of action, purity of heart, contempt for vanity, and the language of truth;... La Légende dorée, Tome III.

The desire came to paint in color, to fill the void with luminous and worldly colors. I discovered colors and used them in my black Ink drawings. Primary colors, nostalgic of a link with the Earth, with the caves of Lascaux and the mortuary chambers of Gansu or elsewhere, of an epic mural on the Silk Road which extends from East to West and along which were found the Dunhuang manuscripts. Basic, primary colors, foundationa! My horizon lights up with an irresistible desire to play with them.

From Francisco de Zurbarán (1598-1664) to Gerrit van Honthorst (1590-1656), the morbid skulls echo Baudelaire's despotic anguish. Their paintings portray a sense of beauty disavowed by sublimated evils: agony, senescence, Death, and mortification of the soul. They describe the futility of life, the evanescence of worldly bonds, the vanity of human existence, and the almost palpable proof of Death.

Mary the Egyptian is the feminine saint. José de Ribera's painting presents a woman emaciated, stripped of all physical attractiveness, dignified in her nudity. She captures the vanity and futility of human activities and passions as if age allows her to take the necessary distance to better measure the events of her life. Throughout the crises of our existence, human beings are reborn, reinvented, and transformed. While the fleshly body alters, deteriorates, and putrefies, the subtle soul grows and transcends. If the soul exists, it is eternal and indivisible from the collective.

Whether anchorites or hermits are withdrawn in caves or hermitages, the physical or allegorical desert theme repeats itself. The hermit represented in figures such as Saint Peter or Saint Paul is close to the popular representations of Zen Buddhism masters. The same qualities of wisdom and meditation lighten their soul. I feel that the hermit monk, whether in Asia or in Europe, who withdraws in a cave, is reminiscent, centuries later, of the cave artist.

Chinese monks may be the inspiration for Japanese painter-monks. Guanxiu 貫休 (832-912), a Chinese monk from Zhejiang who was both a painter, calligrapher, and poet with remarkable effigies of the sixteen arhats, brought into light the importance of these ascetics with symbolic wrinkles who bear on their faces the weight of human passions, torments, and existential sufferings. In Les seize arhats protecteurs de la loi by Sylvain Lévi and Edouard Chavannes, extract from Journal Asiatique, July-August 1916, we can read that the group of sixteen arhats is mentioned for the first time in the Relation on the duration of the law by the great Arhat Nandimitra 大阿罗汉难提密多罗所说法住记 and translated by Xuanzang 玄奘 in Chinese. It is said, "The Buddha Bhagavat at the time of his parinirvāna entrusted the unsurpassed law to sixteen great Arhats and their entourage by ordering them to protect it so that it would not be destroyed... Because they received the mandate of the Buddha, thanks to the force of their supernatural knowledge, they extended the duration of their own longevity. Guanxiu's unusual grotesque style resembles that of Japanese Zen monks. These bumpy animal-like features, deep wrinkles, and asymmetrical postures are how Zen painting started. (Les Seize Arhat dans la peinture chinoise (VIIIe-Xe s.) et les collections japonaises : prémices iconographiques et stylistiques par Evelyn Mesnil, Arts asiatiques, 1999, volume 54, pp 66-84). Japanese monks, like Fūgai Ekun (1568-1654), who painted, sometimes at the end of their lives and in the isolation of a cave, respect the following principles through their works: Asymmetry or denial of perfection; Simplicity or modesty; Austere venerability; Lack of pretension or naturalness; Deep mystery (Profound subtlety*); Infinity (Unconditional Freedom*); Tranquility (Serenity*) *Masumi Shibata, Les maitres du Zen au Japon, Maisonneuve et Larose, Nouvelle édition,  2001. Bodhidharma, a favorite subject, is the legendary founder of the Chan (Zen) branch of Buddhism.

Contours and simplicity of lines, as well as strong curves, are surprisingly sufficient in themselves to convey a message. Creativity arises from intuitive understanding and manifests itself in irregular flows. There is no continuity. Creativity is intuitively understanding symbolic rules. The first of the six rules, 气韵生动, governing the art of painting according to Xie He (5th -6th century) 谢赫 would refer to the spiritual resonance and vitality (of the trait). 韵 recalls the musical note. It is a vibrational energy that the artist seeks to convey. Art and meditation, silence and creation, depth and simplicity of fundamental traits: painting as an object of contemplation. Japanese culture reflects the contributions of Chinese civilization through their intertwined traditions. The "spiritual consonance" that the painter-photographer Lang Jingshan 郎静山 (1892-1995) attributes to Chinese painting responds to the notion of "inner landscape" defined by the Japanese expert Seigo Matsuoka as a spiritual and highly conscious imprint of the 'art. The austere features of Zen painting, flanked by the sublimated emptiness of a blank page, are evidence of a philosophy of Omission, provocative of an absence that imposes silence on our imagination. Such inner landscape is to be associated with the concept of the inner ear, which was said to be fundamental to cave art.

Des visages tombés en extase de Francisco de Zurbarán (1598-1664) à ceux de Gerrit van Honthorst (1590-1656), tels Saint Pierre le pénitent (The Kremer Collection) et Saint-François d’Assise, les crânes d’une morbidité concrète sont l'écho de l’Angoisse despotique baudelairienne. Beauté désavouée par les maux sublimés : agonie, sénescence, trépas, peintes mortifications de l'âme meurtrie ! Symboles de la futilité de la vie, de l'évanescence des liens mondains et de la vanité de l'existence humaine, preuve manifeste et visiblement palpable de la Mort. 

L'Extase de Sainte-Catherine ou le thème de l'homme saint revisité...

Catherine vient de catha, qui signifie universel, et de ruina, ruine, comme si on disait ruine universelle : en effet, dans elle, l’édifice du diable fut entièrement ruiné: savoir: l’orgueil, par l’humilité qu'elle posséda; la concupiscence de la chair, par la virginité qu'elle conserva; et la cupidité mondaine; par le mépris qu'elle eut pour toutes les vanités du monde. Ou bien Catherine, vient de chaînette (catena) : car par ses bonnes œuvres, elle se fit comme une chaîne au moyen de laquelle elle monta au ciel. Et cette chaîne ou échelle est formée de quatre degrés qui sont : l’innocence d'action, la pureté du coeur, le mépris de la vanité, et le langage de la vérité, ...  La Légende dorée, Tome III

S'agissant de la féminisation de l'être saint, le personnage de Marie l'Egyptienne en est un exemple. La peinture de José de Ribera présente une femme recueillie,  émaciée, dépouillée de tout attrait physique, digne dans sa nudité, à même de concentrer toute son énergie sur le Souffle originel et universel qui l'anime, à corps perdu dans sa dévotion. Elle saisit la vanité et la futilité des activités humaines et des passions comme si l'âge permettait de prendre le recul nécessaire pour mieux mesurer les événements de la vie.

L’être au fil des crises de son existence renaît, se réinvente et se transforme, se renouvelant impavidement dans sa connaissance de lui-même. Alors que le corps charnel s’altère, se détériore et putréfie, l’âme subtile grandit et se transcende. Si l’âme existe, elle est éternelle et indivisible du collectif dans le corps individuel mortel. 

Qu’il s’agisse d’anachorètes ou d’ermites, de grottes ou d’ermitages, de désert physique ou allégorique, le thème symbolique du désert se répète. L’ermite représenté sous les traits des personnages de Saint-Pierre ou Saint-Paul se rapproche des représentations populaires des maîtres du bouddhisme Zen. Ce sont les mêmes qualités de sagesse et de recueillement qui marquent la beauté de l'âme. Le moine ermite retiré dans une caverne, se fait-il l'écho, des siècles plus tard, de l’artiste de la préhistoire ? 

Faut-il chercher chez les moines chinois la source de l’inspiration des moines-peintres japonais? Guanxiu 貫休 (832-912) moine chinois originaire du Zhejiang à la fois peintre, calligraphe et poète aux remarquables effigies des seize arhats, rappelle l'importance, dans le Mahayanisme de l'Extrême-Orient, de ces ascètes aux rides symboliques qui portent sur leur visage le poids des passions humaines, des tourments et des souffrances existentielles des siècles passés.

Qu’est-ce qu’un arhat ? Dans Les seize arhats protecteurs de la loi de Sylvain Lévi et Edouard Chavannes, extrait du Journal Asiatique, juillet-août 1916, on peut lire que l'on mentionne pour la première fois le groupe des seize arhats dans la Relation sur la durée de la loi, énoncée par le grand Arhat Nandimitra 大阿罗汉难提密多罗 所 说法住记 traduit par Xuanzang 玄奘 en chinois : Le Bouddha Bhagavat au moment de son parinirvāna a confié la loi sans supérieure à seize grands Arhat et à leur entourage, en leur ordonnant de la protéger de façon à ce qu’elle ne fût pas détruite... Parce qu’ils ont reçu le mandat du Bouddha, grâce à la force de leurs pénétrations surnaturelles, ils ont prolongé la durée de leur propre longévité.

Le style grotesque hors du commun de Guanxiu rappelle celui des moines Zen japonais. Ces crânes bosselés comme des rhinocéros couchés, ces rides profondes, ces postures dissymétriques sont les prémices des peintures Zen. (Les Seize Arhat dans la peinture chinoise (VIIIe-Xe s.) et les collections japonaises : prémices iconographiques et stylistiques par Evelyn Mesnil, Arts asiatiques, 1999, volume 54, pp 66-84)

Les bonzes japonais, comme Fūgai Ekun (1568-1654), qui choisirent de peindre, parfois  à l'automne de leur vie et dans l'isolement d' une caverne,  respectent à travers leurs œuvres les principes suivants: Asymétrie ou déni de la perfection; Simplicité ou modestie; Austère vénérabilité; Absence de prétention ou naturel; Profond mystère (Subtilité profonde*); Infinité (Liberté inconditionnelle*); Tranquillité (Sérénité*). Bodhidharma, sujet préféré des moines peintres japonais, est le fondateur légendaire de la secte Chan (Zen). Contours et simplicité des lignes... Courbes fortes qui se suffisent à elles-mêmes et que des moines peintres dans un isolement parfait ont tracées et dessinées suivant une esthétique d’une sensibilité unique. (Vanite des Vanités, tout n'est que vanité, 4 mai 2011)

* Masumi Shibata, Les maitres du Zen au Japon, Maisonneuve et Larose, nouvelle édition,  2001

La créativité est un état d’esprit qui se nourrit d'elle-même et de son environnement. Elle naît de l’intuitive compréhension et se manifeste en flots irréguliers. Il n’ y a pas de continuité. La créativité, c’est comprendre intuitivement les règles symboliques. C’est porter son attention en-dehors de soi sur l’inattendu, l’inconnu, le mystère. C'est se perdre soi-même pour que surgisse sa voix intérieure.

La première des six règles, 气韵生动 , régissant l’art de la peinture selon Xie He (5^e -6^e siècle) 谢赫. ferait référence à la résonance spirituelle et à la vitalité (du trait).  韵 rappelle la note musicale, expression sonore par définition temporelle. C’est cette énergie vibratoire que l’artiste cherche à faire passer dans sa création. 

Art et méditation, silence et création, profondeur et simplicité des traits fondamentaux. Image à l’encre japonaise. Peinture en tant qu'objet de contemplation.

La culture japonaise reflète les apports de la civilisation chinoise de par leurs traditions imbriquées. A  la « consonance spirituelle » qu' attribue le peintre-photographe Lang Jingshan 郎静山 (1892-1995) à la peinture chinoise répond la notion de « paysage intérieur » défini par l'expert japonais Seigo Matsuoka comme une empreinte spirituelle et  hautement consciente de l'art. Les traits austères de la peinture Zen, flanqués du vide sublimé, sont l'évidence d'une philosophie de l’Omission, provocateurs d'une absence qui impose silence à notre imagination (Agonie et extase de la creation, janvier 2011)